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Somogy
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Jean Rouch l'homme-cinéma ; découvrir les films de Jean Rouch
Beatrice De Pastre
- Somogy
- 11 Octobre 2017
- 9782757212974
Exposition sur la vie et l'oeuvre cinématographique et ethnographique de Jean Rouch avec des documents très divers comme des photographies, des recueils écrits de traditions orales et des reportages pour la radio.
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À la faveur d'expositions réalisées au cours de ces vingt dernières années, Philippe Cognée s'est imposé comme l'un des peintres majeurs du début du XXIe siècle. C'est à la suite de son séjour à la Villa Médicis, en 1991, que l'artiste invente une technique qui devient son processus de travail exclusif sur toile, à partir de photographies et de peinture à l'encaustique. Le rendu objectif de la photographie fait place à un effet de flouté, de liquéfaction, voire de disparition partielle du motif, de sorte qu'une certaine abstraction travaille en profondeur la figure représentée. En distordant les figures, dont les motifs sont pourtant ceux du réel le plus banal, le plus quotidien, Philippe Cognée interroge la matière du pictural, il questionne la représentation. Le spectateur perçoit dans le tableau final comme le symptôme d'une perte : toujours quelque chose vacille, quelque chose est en train de fondre, de disparaître, que l'artiste saisit au moment de sa « tombée », dans le mouvement d'une défaite qu'il parvient à fixer in extremis.
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Le 29 juillet 1914, Blaise Cendrars, poète d'origine suisse, rédige un appel qui paraît dans les journaux de Paris, sommant tous les étrangers amis de la France à s'engager pour la durée de la guerre. Le 24 août, Alexandre Zinoview, artiste-peintre russe, installé en France depuis 1909, se porte volontaire.
Intégrés tous deux dans la Légion étrangère, leurs expériences concordent et en octobre 1915, sur le front de Champagne, leurs destins se croisent à la ferme de Navarin où Cendrars est blessé. Ces deux combattants deviennent témoins. Zinoview peint sur le front, quant à Cendrars les souvenirs de cette guerre hanteront ses écrits. Le dialogue entre leurs oeuvres constitue la trame de cet ouvrage, édité à l'occasion d'une exposition du musée de la Légion étrangère à Aubagne.
Par leurs regards croisés, c'est avant tout aux camarades de la Légion, à cet exceptionnel élan d'étrangers engagés volontaires au cours de la Grande Guerre, qu'Alexandre Zinoview et Blaise Cendrars rendent un émouvant hommage.
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Chaillot, aujourd'hui Théâtre national de la Danse, s'affirme depuis ses origines comme un acteur majeur du monde culturel. Lieu de spectacle emblématique né lors de l'Exposition universelle de 1878, emblème du style Art déco suite à sa reconstruction en 1937, Chaillot a accueilli la signature de la Déclaration universelle des droits de l'homme en 1948 par les Nations unies, avant de se réinventer à l'aube du XXIe siècle.
Rassemblés sous la conduite des historiens Pascal Ory et Pascal Blanchard, une quarantaine d'auteurs et de grands témoins nous font découvrir cette institution du spectacle vivant : ses oeuvres, son théâtre populaire, et surtout les femmes et les hommes qui ont fait, et font encore aujourd'hui, toute sa renommée, toute sa singularité. Une immersion inédite dans ce qui est devenu le Palais de la Danse. Une iconographie exceptionnelle, au service d'un jeu permanent entre art et histoire, créativité et destin.
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Les pionnières ; dans les ateliers des femmes artistes du XXe siècle
Valerie De Maulmin, Catherine Panchout, Elisabeth Vedrenne
- Somogy
- 14 Mars 2018
- 9782757213056
Cet ouvrage est avant tout un hommage dédié à onze femmes artistes, à travers leur portrait, immergées dans leur travail quotidien, dans leur lieu de prédilection : l'atelier.
Geneviève Asse, Etel Adnan, Pierrette Bloch, Geneviève Claisse, Parvine Curie, Sheila Hicks, Shirley Jaffe, Véra Molnar, Aurélie Nemours, Judith Reigl, Marta Pan, sont toutes de la même génération, celle qui les a fait naître avant la deuxième guerre mondiale, celle qui les a fait atteindre leur maturité artistique dans les années 50 et 60, celle qui les fait resurgir après l'an deux mille dans les musées et les galeries, à la fin de leur vie.
L'autre lien qui les rassemble est celui de l'abstraction, de toutes les sortes d'abstractions car sous cette étiquette se cache autant d'approches artistiques et de possibilités d'expression qu'il y a d'artistes. Parmi elles, nombreuses sont celles qui se sont affirmées, pour ou contre, la seconde École de Paris qui régnait alors sur l'art. Aucune n'est cependant une « figurative » ou, comme le sera majoritairement la génération suivante, aucune n'exprime le quotidien, le ressenti, la révolte, le constat du monde, ou la réinvention du « je » et du corps de la femme. Toutes les femmes de cet ouvrage ont plutôt tenté de s'extraire du réalisme, de fuir toute manifestation d'introspection personnelle, de pathos ou de désordre sociétal.
Ce livre, initié il y a une dizaine d'années avant qu'elles ne soient aussi célébrées et présentes dans les plus grands muséeset collections privées, se veut le témoignage léger et attrayant de quelques instants volés, bribes de conversations, moments de détente, souvenirs émus, imprégnés d'odeurs, de lumières changeantes, de couleurs, de rires et de silences, dans l'intimité de l'atelier.
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La pointe et l'ombre ; dessins nordiques du musée de Grenoble, XVI-XVIIIe siècle
Collectif
- Somogy
- 12 Mars 2014
- 9782757207758
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Vermeer, ou « le sphinx de Delft ». Cette expression, forgée au XIXe siècle, a figé la personnalité de Johannes Vermeer (1632-1675) dans une pose énigmatique et solitaire.
Cet ouvrage original permet au contraire de découvrir que ce génie universel s'inscrivait dans un riche réseau d'influences, très loin du splendide isolement avec lequel il fut longtemps associé.
La scène de genre élégante hollandaise connaît son âge d'or vers 1650-1680. Cette peinture, mise en scène luxueuse d'activités qui n'ont de quotidiennes que le nom, permet à la République des Provinces-Unies de s'affirmer face aux monarchies. Vermeer en est l'un des maîtres, aux côtés de Gerard Dou, Gerard ter Borch, Frans van Mieris, Gabriel Metsu, Pieter de Hooch... Ces peintres, actifs à Leyde, Deventer, Amsterdam ou Delft, ont eu connaissance du travail des uns et des autres. Leurs rapports alternent hommages, citations détournées, métamorphoses. Vues de la sorte, les sublimations de Vermeer prennent un sens nouveau : celui de ses rejets et de ses admirations.
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Une présentation des albums photographiques de J.H. Lartigue qui célèbrent le perpétuel changement, le mouvement et la pulsation de la vie.
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Plus de 200 oeuvres provenant de prestigieuses collections nationales et internationales, parmi lesquelles certaines des pièces les plus fastueuses des collections impériales chinoises, dressent une épopée historique et esthétique du jade.
Depuis les sources de la Chine la plus ancienne, où le jade puise ses valeurs fondamentales, jusqu'aux années 1920, quand cette pierre, « plus précieuse que l'or » devint source d'inspiration de bijoux et d'objets d'art modernes, cet ouvrage lève le voile sur l'histoire d'une expression majeure de la civilisation chinoise.
Les sages de l'Antiquité comparaient la vertu au jade Il est l' image de la bonté, parce qu' il est doux au toucher, onctueux De la prudence, parce que ses veines sont fines compactes et qu' il est solide Du ciel parce qu' il ressemble à un arc-en-ciel De la terre parce que ses émanations sortent des montagnes et des fleuves Confucius
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Le dessin français au XVIIIe siècle, virtuose, le plus français qui soit, a été personnifié avec bonheur par Watteau, Fragonard, Boucher, Chardin, Greuze, Hubert Robert ou encore Oudry, parmi plus de deux cents artistes dont cet ouvrage exceptionnel révèle ou rappelle le talent.
Sept cent cinquante pages, illustrées de plus de mille cinq cents oeuvres, composent un magnifique hommage à ce prodigieux XVIIIe siècle, si plein de charme, de grâce mais aussi de profondeur, un temps de bouleversements historiques, peu à peu animé par la pensée des Lumières.
Écrivain et historien de l'art, membre du conseil artistique des musées nationaux, chargé de mission au département des Arts graphiques du musée du Louvre, commissaire de nombreuses expositions, président de la Société des Amis du Louvre, Louis-Antoine Prat a occupé entre 2007 et 2017 à l'École du Louvre la chaire d'histoire du dessin. Sa passion pour cette technique, qui, comme il le souligne, commande les autres arts - peinture, sculpture et architecture -, et son érudition encyclopédique le désignaient pour mener à bien ce livre d'art et de culture où s'associent sens de l'enseignement, finesse de l'analyse et goût du beau.
Chacun, qu'il soit amateur d'art ou professionnel, étudiant ou curieux, trouvera matière à découvrir et à admirer au fil de ce livre qui se regarde comme un musée et se lit comme un roman.
Louis-Antoine Prat est également l'auteur, chez les mêmes éditeurs, des deux sommes dédiées au dessin français aux XVIIe et XIXe siècles, les trois volumes formant un ensemble incomparable sur le dessin français.
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L'arrivée au musée du Louvre d'un objet ayant appartenu aux collections royales est toujours un événement singulier, une sorte de retour, puisque le musée fut constitué à la Révolution à partir des trésors de la Couronne. Elle est ici particulièrement émouvante, car il ne s'agit pas de l'une de ces peintures ou sculptures collectionnées par les souverains pour être admirées, mais d'un objet précieux et intime, dont la préservation tient du miracle.
Acquis par François Ier, passé en Angleterre pendant plus de trois siècles, le livre d'heures retrouve au musée les très rares oeuvres des collections des Valois qui nous soient parvenues et permet de faire revivre un peu de la splendeur de cette période faste. Cet extraordinaire objet est passé entre les mains des plus grands collectionneurs.
Philippe Malgouyres nous conte les pérégrinations au terme desquelles le livre revint à Paris, et nous invite à nous pencher sur ce joyau unique afin de comprendre comment il fut conçu et de découvrir qui le reçut des mains de François Ier.
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Dans une éphémère feuille dada intitulée La Pomme de Pins, Picabia affirmait en 1922 : « Picasso est le seul peintre que j'aime ». S'agit-il là d'une nouvelle illustration de la force d'attraction et de l'influence prépondérante de Picasso sur un artiste du XXe siècle ?
Unis par des origines méridionales communes, l'Espagnol Pablo Picasso (1881-1973) et le Français de père hispano-cubain Francis Picabia (1879-1953), furent plus proches que ce que l'histoire en a retenu - et cela, pour une raison au moins : goûtant la même liberté d'expérimentation en art, leurs carrières respectives, pour différentes qu'elles soient, ne furent qu'une longue rupture avec l'idée même de style - cette soi-disant marque « unique » du créateur dans l'art occidental. Avec Picasso et Picabia, les métamorphoses de soi sont érigées en mode de vie. « Un peintre, disait Picasso, ne doit jamais faire que ce que les gens attendent de lui. Le pire ennemi d'un peintre, c'est le style ». Picasso et Picabia ne firent effectivement jamais ce que l'on attendait d'eux.
Cette exposition est organisée dans le cadre de « Picasso-Méditerranée », manifestation culturelle internationale qui se tient de 2017 à 2019. Plus de soixante institutions ont imaginé ensemble une programmation autour de l'oeuvre « obstinément méditerranéenne » de Pablo Picasso. À l'initiative du Musée national Picasso-Paris, ce parcours dans la création de l'artiste et dans les lieux qui l'ont inspiré offre une expérience culturelle inédite, souhaitant resserrer les liens entre toutes les rives.
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Dès les années 1950, il y eut un véritable engouement des psychiatres du monde entier pour ce qu'on appela alors l'« art psychopathologique ». De nombreuses recherches sur les productions artistiques des malades mentaux furent alors menées. En se remémorant l'exposition qui eut lieu à l'hôpital Sainte-Anne en 1950, cet ouvrage, qui reproduit de nombreuses oeuvres françaises et étrangères, met en perspective l'histoire de la Collection Sainte-Anne et celle de la psychiatrie entre les années 1950 et 1970.
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Emmanuel Régent vit et travaille à Villefranche-sur-Mer et à Paris. Diplômé de l'École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris en 2001, il est lauréat du prix Découverte des Amis du Palais de Tokyo en 2009.
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Le jardin des Tuileries d'André Le Nôtre ; un chef-d'oeuvre pour le Roi-Soleil
Anne Allimant-verdillon, Alexandre Gady
- Somogy
- Essai
- 5 Octobre 2013
- 9782757206508
L'histoire du jardin des Tuileries au temps de Louis XIV est liée à celle, plus large, du Louvre, un complexe monumental toujours en chantier. Pour offrir au Roi-Soleil un palais achevé et doté d'un beau jardin au coeur de Paris, Colbert demande à Louis Le Vau, côté cour, et à André Le Nôtre, côté jardin, de s'atteler aux Tuileries. Majesté du dessin, inventivité des partis et harmonie des végétaux, tout concourt à faire de ce jardin un chef-d'oeuvre du Grand Siècle.
Dans la vie de son génial maître d'oeuvre, le jardin des Tuileries occupe également une place à part. Depuis trois générations, la famille Le Nôtre habite aux Tuileries et, privilège royal, le jardinier y demeurera jusqu'à sa mort. Véritable lieu de vie dont les plus grands artistes du XVIIe siècle ont foulé les allées - Jean-Baptiste Lulli ou encore Nicolas Poussin, dont le jardinier collectionneur possède plusieurs toiles -, le jardin royal, ouvert au public, est une promenade privilégiée des Parisiens.
Aux tuileries, on marche, on joue, on montre et se montre, on aime avec ardeur, on guerroie aussi. Mais au-delà de l'incroyable transformation du jardin, c'est un projet d'urbanisme abouti que dessine André Le Nôtre en créant ce qui deviendra la plus célèbre perspective de Paris : les Champs-Elysées.
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Album du musee institut du monde arabe (francais)
Muselier R./Khazinda
- Somogy
- 19 Janvier 2013
- 9782757205921
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Delacroix et l'aube de l'orientalisme
Vincent Pomarède, Nicole Garnier
- Somogy
- 13 Octobre 2012
- 9782757206096
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Weissberg ; catalogue raisonné
Lydia Harambourg, Lydie marie Lachenal
- Somogy
- 15 Décembre 2008
- 9782757202715
Léon Weissberg, figure emblématique de l'école de Paris, est né en Galicie/Autriche-Hongrie en 1895. Loué par des grands critiques (Jean-Marie Dunoyer, Waldémar George) et exposé par les galeristes et les musées, Weissberg s'est essayé au cours de sa trop brève carrière à divers médias (peinture, dessin, sculpture...). Déporté car il était juif, il fut assassiné au camp de Maïdanek en 1943 et son oeuvre, dispersée, fut en partie détruite. Ses émouvants portraits de femmes et de petites filles ses cirques à la tonalité lyriques et ses natures mortes lui ont valu d'être redécouvert. Philippe Soupault, fondateur du mouvement surréaliste avec Breton et Aragon, fut particulièrement sensible à l'oeuvre de Weissberg et à ses personnages qui semblaient être les "acteurs d'une comédie tendre et triste, dépositaires de ses rêves, de l'insouciance et de l'angoisse du temps". Ce catalogue raisonné, qui concerne l'ensemble des créations de Weissberg, offre au lecteur une immersion dans l'univers onirique d'un artiste encore trop peu connu.
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Feinte baroque ; iconographie et esthétique de la variété au XVII siècle
Collectif
- Somogy
- 3 Avril 2010
- 9782757202920
Cette étude d'histoire de l'art est une des premières à envisager le décor de théâtre non seulement comme support d'une action dramatique mais aussi comme une image artistique dans un espace, via une première partie intitulée « La scène baroque » : un tableau en trois dimensions. Elle a le mérite de s'intéresser à une période, le baroque, finalement peu connue dans son aspect théorique et c'est précisément en cela que la publication, dans cet ouvrage, du « Discours à Cliton » fournit un document d'étude aussi rare que précieux. Enfin, l'ouvrage permet au lecteur de découvrir Georges Buffequin, artiste scénographe essentiel de la politique de Richelieu et de saisir la pleine dimension des enjeux esthétiques et sociaux qui agitent la scène parisienne des années 1640.
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" Témoignage visuel d'une génération à l'automne de sa vie.
En une collection de portraits, hommage à des femmes et à des hommes qui ont survécu, et vécu, avec le poids de la mémoire. J'ai photographié, pour le projet 2251, des personnes âgées, qui toutes ont connu, adolescentes ou jeunes adultes, l'univers concentrationnaire. Les prises de vue ont été réalisées en l'espace de quelques mois, soit à domicile, soit dans mon studio, installé pour l'occasion dans les locaux de l'Union des Déportés d'Auschwitz.
Si chacune de ces rencontres fut humainement singulière, toutes ont été riches et chargées d'émotion. Les photographies ont été réalisées soit avec un fond noir, soit avec un fond gris, montrant ainsi ces femmes et ces hommes tournant le dos tantôt à la nuit, tantôt au brouillard. J'ai volontairement gardé l'éclairage simple et directionnel, pour préserver l'authenticité des images et enregistrer le caractère et la force des visages.
Les portraits qui suivent racontent, grâce à la complicité que ces personnes m'ont offerte alors que je les photographiais, mille histoires, mais l'on reconnaît aussi, et presque sans faille dans la profondeur du regard, l'empreinte indélébile d'une histoire peu commune. Ils furent en France plus de 76ooo juifs à être envoyés vers les camps nazis. 2251 sont revenus. " Raphaël Levy.
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E refuse le sujet : l'arbre, la lumière, le vent, la pluie qui m'ont donné l'impression de départ, les sensations d'origine. Il faut effacer le sujet sinon on ne verra que lui. Je ne sais jamais où je vais aller mais je sais où je ne veux pas aller. Il s'agit pour moi de constituer un espace ou, pourquoi pas, une atmosphère. J'aime bien ce mot parce qu'il exige une forme imprécise, donc sans définition, mais très présente dans son effet. Dès que j'ai posé un peu de fond, voilà ce que j'essaie de construire.
Jean-Marc Brunet Plus de figures, plus de sujets, et cependant un arrière-pays qui, rendu invisible, n'en est pas moins présent puisqu'il génère une présence toujours fortement là sans se laisser précisément nommer. Jean-Marc Brunet en situe la nature par ses titres : Pluie battante, La nuit me parle, Posé sur l'eau, titres qu'il n'affiche pas et qui surgissent comme une confidence. Chacun exprime d'ailleurs beaucoup plus une sensation, une impression, qu'une représentation.
Bernard Noël
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