Un entretien au long cours avec l'architecte français Claude Parent (1923-2016) par la conservatrice Mai Abu ElDahab et le plasticien Benjamin Seror, réalisé entre 2013 et 2015. La publication présente également une vaste sélection de dessins de Parent.
Engagé dans l'expérimentation tout au long de sa vie, Claude Parent a interrogé l'architecture et sa propre pratique de façon polémique et provocante, motivé par son désir de voir les idées circuler et de défier les conventions. L'ouvrage se base sur la transcription de conversations, permettant à la voix et au style de narration uniques de Parent de s'exprimer.
Catalogue présentant un projet de recherche et d'exposition né d'une étude de terrain menée par l'artiste sur un site paléontologique d'Australie-Méridionale.
Publié à l'occasion de l'exposition éponyme, Monash University Museum of Art, Melbourne, du 5 octobre au 7 décembre 2019.
La fabrication des objets d'art contemporain.
La publication Object Notes: Just a Little Rest est conçue comme une extension de l'exposition « Etwas mehr als Arbeit », présentée au Kunstverein Göttingen du 11 octobre au 13 décembre 2020.
Dans l'exposition, le projet de recherche Object Notes de Malte Roloff et Santiago da Silva en collaboration avec la commissaire Tomke Braun présente des constellations d'objets, de matériaux, de processus et de documents issus de l'art et du design, de la production artistique et de la restauration. Le projet explore l'idée de fabrication comme point d'entrée à la question de savoir qui, comment et dans quelles conditions l'art contemporain est produit. Il examine l'utilisation et la signification de l'artisanat et du travail dans l'art contemporain et la manière dont la connaissance de sa production affecte sa perception.
La publication présente différentes contributions des participants au projet. Les formats vont des encarts de pages volantes, de la fiction littéraire et d'une conversation à un essai spécialement commandé à l'historienne du design britannique Tanya Harrod.
Retour sur un projet d'installation illustrant la théorie de l'« autoconstrucción » formalisée par Abraham Cruzvillegas. A travers les figures du compositeur mexicain Julián Carrillo et d'Oskar Matzerath, protagoniste du roman de Günter Grass Le Tambour, l'artiste met en scène les concepts contradictoires de l'incommunicabilité et de l'intelligibilité.
Publié suite à l'exposition éponyme à la Gdansk City Gallery, Pologne, du 6 décembre 2014 au 1er février 2015.
Entre livre d'artiste et monographie, cet ouvrage documente un projet de l'artiste basé sur un atelier de batik à Bantul, en Indonésie, une technique traditionnelle d'impression et de teinture d'étoffe. Ada Van Hoorebeke combine textiles, céramiques et produits industriels (allant de pièces détachées de voitures à la confiture de fraises), recontextualisant des formes anciennes d'artisanat dans un schéma narratif.
Catalogue rétrospectif couvrant quinze années de carrière de l'artiste textile conceptuel, connu pour explorer le langage de la peinture minimaliste. Avec des textes de Mark von Schlegell et Magnus Schaefer.
Publié suite à l'exposition de l'artiste à le Staatliche Kunsthalle, Baden-Baden, du 11 mars au 18 juin 2017.
Livre d'artistes sur le thème de la plasticité des matériaux, des matériaux plastiques et de la Mésoamérique, proposant une exploration de l'histoire et de l'avenir du plastique à travers diverses rencontres (un tisserand d'Oaxaca, un chauffeur de taxi, un sociologue travaillant sur le ramassage des ordures à Mexico et le propriétaire d'une petite usine familiale de plastique). Basé sur un projet polymorphe résultant de plusieurs années de recherche de l'artiste Viktorija Rybakova et de la graphiste Goda Budvytyte, l'ouvrage comprend également une conversation entre les philosophes Kristupas Sabolius et Catherine Malabou et des essais de Post Brothers et Chris Fitzpatrick.
Une sélection d'oeuvres de Heinz Peter Knes issues des archives que l'artiste consacre à la photographie de voyage depuis 2010.
Contrairement à l'approche conventionnelle du carnet de voyage, basé sur l'indexation de lieux et de situations et ordonné de manière chronologique ou géographique, l'agencement des photographies ici présentes reflète une thématique culturelle plus large, motivée par les intérêts personnels, les désirs et le hasard. En collaboration avec Julie Ault, Knes a organisé les images selon des catégories subjectives et associatives, influencé en cela par la «loi de bon voisinage» de Warburg. La loi de Warburg concernant l'agencement d'une bibliothèque est basée sur le dialogue et la relation engagée entre les ouvrages placés côte à côte.
On distance opère une recherche similaire à travers les possibilités sémantiques qui émergent des images lorsqu'elles s'autorisent à être lues hors des contraintes des modèles préconçus de catégorisation de la connaissance et de l'expérience.
Publié à l'occasion de l'exposition « mothertongue » de Danh Vo, au Pavillon danois de la 56e Biennale de Venise, du 9 mai au 22 novembre 2015.
Cette publication sert de prolongement aux études et aux oeuvres que Joachim Koester a consacré à la figure mythique du théâtre d'avant-garde Jerzy Grotowski (1933-1999). Accompagné d'historiens, d'anthropologues et d'anciens élèves de Grotowski, Koester retrace les voyages et les séminaires organisés par le metteur en scène au Mexique.
Selon le metteur en scène Eugenio Barba, le théâtre de Jerzy Grotowski doit se comprendre comme un terrain ouvert à l'expérimentation physique et psychologique dans lequel l'acteur cherche à se transformer en une autre entité humaine, animale ou objectale. Intéressé par les rituels chamaniques pratiqués par les indiens Huichols du Mexique, les yogis indiens et les praticiens vaudou en Haïti, Grotowski a su mettre en avant les racines communes du rite et du théâtre et développer un système de « mouvements » et de « pratiques spatiales » faisant de lui l'un des principaux contributeurs de la performance contemporaine.
Les films réalisés par Joachim Koester mettent en oeuvre les principes essentiels de la méthode Grotowski en invitant ses anciens élèves et collaborateurs à recréer ses exercices et ses pratiques spatiales. Cette publication revient sur les voyages effectués par Grotowski au Mexique. Par la voix d'historiens, d'anthropologues et d'anciens élèves, Koester remet en perspective les séjours mexicains du metteur en scène polonais afin de comprendre leur influence sur sa pratique théâtre.
Tenant à la fois du documentaire et de la fiction, le travail de Joachim Koester (né en 1962 à Copenhague, vit et travaille à Copenhague et New York) revisite et réactive certaines formes du passé tout en s'attachant aux questions de la conscience et de l'altération des sens. L'artiste développe un principe récurrent de montage de l'image pour s'emparer d'une mémoire collective et mener une exploration à caractère aussi bien géographique que mental. Dans cette enquête permanente sur l'épreuve du temps et de l'effacement, Joachim Koester se nourrit de la dualité entre rapport scientifique au réel et expérience sensible. Ainsi, les lieux chargés d'histoire puis désertés, vers lesquels il se tourne, accomplissent souvent, dans leur représentation photographique ou filmique, cette abolition volontaire des frontières entre approche conceptuelle et empirisme.
Joachim Koester a participé à la Documenta 10 de Kassel (1997) et à la Biennale de Venise (2005). Il a réalisé de nombreuses expositions personnelles et collectives à travers le monde : Museo Tamayo, Mexico City (2010) Kestnergesellschaft, Hanovre (2010) Turker Art Museum, Finlande (2009) Moderna Museet, Stockholm (2007) et en France, notamment au Frac Lorraine, Metz (2009), à la Galerie, Noisy-le-Sec (2007) et au Centre National de la Photographie, Paris (2001).
VIP's Union est un projet initié en 2001 par l'artiste coréenne, questionnant la place des célébrités dans l'espace social et l'attitude des institutions artistiques à leur égard. Ce catalogue documente le développement de ce travail au fil des ans, à travers un ensemble iconographique, une chronologie, des essais et un entretien avec l'artiste.
Publié suite à l'exposition éponyme à la Kunsthaus Graz, du 23 juin 2017 au 28 janvier 2018.
Haegue Yang (née en 1971 à Séoul, vit et travaille entre Berlin et Séoul) est l'une des artistes coréennes les plus influentes de sa génération. Utilisant plusieurs médiums, du collage à la performance, Haegue Yang interroge les qualités plastiques et sensorielles des objets du quotidien, qu'elle dissocie de leurs contextes d'origine pour les réarranger en des compositions abstraites. L'oeuvre protéiforme d'Haegue Yang s'impose par sa singularité et la complexité d'une proposition associant force et délicatesse, reposant sur la mise en abyme de références multiples liées à l'histoire culturelle, sociale et politique, en même temps que sur la réinterprétation des formes archétypales des avant-gardes.
Les expositions personnelles récentes de Haegue Yang ont eu lieu dans des institutions prestigieuses : Serralves Museum, Porto, Portugal (2016), Hamburger Kunsthalle, Hambourg (2016), Ullens Center for Contemporary Art, Beijing (2015), Leeum, Samsung Museum of Art, Séoul (2015), Bergen Kunsthall, Bergen (2013), Glasgow Sculpture Studios, Glasgow (2013), musée d'Art moderne et contemporain de Strasbourg, (2013), Haus der Kunst, Munich (2012), Tate Modern Tanks, Londres (2012), Kunsthaus Bregenz, Bréguence (2011), the New Museum, New York (2010), the Walker Art Center, Minneapolis (2009) et le Pavillon coréen à la 53e biennale Venise (2009).
Elle a également participé à des expositions de groupe à la 13e Biennale de Lyon en 2015-2016, au Solomon R. Guggenheim Museum à New York (2015), au Museum of Modern Art à New York (2015), à la biennale de Sharjah 12 aux EAU (2015), à la biennale de Taipei (2014), au Witte de With à Rotterdam (2014), au Museo Jumex à Mexico (2013) et à la dOCUMENTA (13) de Cassel (2012), etc.
Haegue Yang est lauréate du Wolfgang Hahn Prize 2018.
Monographie de référence : une rétrospective de l'ensemble des pratiques artistiques de Saâdane Afif, présentant 48 expositions et performances organisées en 28 sections distinctes, couvrant une période de 14 ans.
Depuis Melancholic Beat au Museum Folkwang d'Essen en 2004 jusqu'à la récente exposition Musiques pour tuyauterie à Mor Charpentier à Paris en 2018, cet publication adopte le format de l'exposition en tant que medium de Saâdane Afif, à travers lequel son travail prend forme et peut être lu.
Chacune des expositions présentées constitue un livret individuel : les pages contenant les reproductions en couleur des oeuvres individuelles et les vues de l'installation sont insérées dans quatre pages supplémentaires fournissant le titre, la description, les détails et les légendes de l'exposition.
Ces 28 livrets constituent le corps de la publication. Les textes des expositions ont été rédigés par Lily Matras et Yasmine d'O. Ils sont accompagnés d'un entretien avec Saâdane Afif par Lili Reynaud-Dewar, de deux textes critiques de Zoë Gray et Jörn Schafaff, d'un index des oeuvres exposées et d'un index des livres et disques publiés par Afif.
Conçue en étroite collaboration avec Shimabuku dans le prolongement de son exposition à la Villa Paloma, cette monographie d'envergure relate les actions poétiques menées lors de ses voyages, de son Japon natal à la Principauté de Monaco.
Les textes de l'artiste forment la trame narrative d'un ensemble conséquent d'installations, films, sculptures, photographies, réalisés au cours des trente dernières années. Trois essais inédits ont été rédigés pour l'occasion par les critiques d'art et curateurs Nicolas Bourriaud et Claire Le Restif ainsi que l'artiste Rirkrit Tiravanija.
En introduction, Célia Bernasconi, commissaire de l'exposition, retrace à travers un journal de bord les étapes d'une aventure artistique confrontée au contexte épidémique, en revenant sur les productions réalisées par Shimabuku à Monaco en 2021, dont l'oeuvre totémique Ériger figure en couverture de l'ouvrage.
Publié à l'occasion de l'exposition éponyme au NMNM-Villa Paloma, Monaco, en 2021.
Cette publication accompagne l'exposition éponyme au Seoul Museum of Art, qui se concentre sur la première décennie de formation artistique de Lee Bul à partir de la fin des années 1980, marquée par une production intensive de « sculptures molles » et de « documentations de performances ».
La fin des années 1980 et les années 1990 en Corée du Sud, lorsque Lee Bul, âgée d'une vingtaine d'années, a débuté sa carrière, ont constitué un tournant historique ainsi qu'une période de confrontation entre la culture populaire florissante, la vague de mondialisation, l'anxiété de la fin du siècle et l'espoir du nouveau. L'ouvrage met l'accent sur les performances s'inscrivant dans le contexte d'alors et présente les différentes oeuvres fondatrices de Lee Bul ainsi que des documents moins connus jusqu'à présent, allant de la sculpture et des dessins aux maquettes et aux objets qui témoignent des idées artistiques et des processus exploratoires de l'artiste. Ce retour sur les oeuvres de jeunesse de l'artiste fait apparaître leur actualité tout en enrichissant l'interprétation de l'ensemble de sa pratique artistique, à travers les grandes perspectives qui s'y dessinent : le corps féminin, l'espace culturel et politique et un « extérieur » de la modernité.
Publié à l'occasion de l'exposition de Lee Bul au Seoul Museum of Art (SeMA) en 2020-2021.
Tel un fleuve puissant qui coule et dévie de son cours, cette publication nous invite à un voyage pour déchiffrer la logique prédatrice à l'oeuvre dans les mécanismes de l'exploitation minière de l'or et la dévastation socio-écologique qui en résulte dans les régions amazoniennes de Guayana et du Venezuela. Plus qu'un avertissement, What the Mine Gives, the Mine Takes présente une cartographie collective et sensible de ce conflit minier à travers une diversité de projets artistiques, de poèmes, d'essais, de diagrammes, de visions satellites et d'images documentaires.
Conçue par l'artiste vénézuélienne Ana Alenso, basée à Berlin, cette publication est le résultat de sa recherche artistique pour l'installation Lo que la mina te da, la mina te quita en 2020. L'installation a été commandée par Urbane Künste Ruhr pour l'exposition Ruhr Ding: Klima (2021) et a également été présentée dans le cadre d'une exposition individuelle à la Galerie Wedding à Berlin en 2020. Parmi les principaux contributeurs à la publication figurent l'organisation environnementale SOS Orinoco et ACL/SPV, la cinéaste Alexandra Henao, l'indigène Pemón Kukuy, le poète Santiago Acosta, la chercheuse Alessandra Caputo Jaffe, l'architecte urbain Ricardo Avella et les artistes visuels Luis Arroyo, Sheroanawe Hakihiiwe, Esperanza Mayobre, Marco Montiel Soto, Lucía Pizzani et Christian Vinck.
Une sélection de peintures de Cosima zu Knyphausen sur une période de cinq ans, accompagnée d'un essai de Rahel Schrohe et d'un poème de l'artiste.
Un cento est un poème composé de vers ou de fragments de différents textes littéraires qui sont assemblés pour former un nouveau poème. Le mot vient d'un ancien terme latin qui désigne une couverture faite de chutes de textile.
Cette racine étymologique relie des aspects importants de la pratique de Cosima zu Knyphausen : la matérialité d'un morceau de tissu - le support des peintures - et le processus de citation, de paraphrase et d'appropriation de motifs de l'histoire de l'art, afin d'imaginer un canon alternatif façonné par le désir lesbien.
Cento rassemble une sélection de peintures de Cosima zu Knyphausen réalisées au cours des cinq dernières années. Au lieu de suivre un ordre chronologique, les oeuvres sont présentées dans une lecture intertextuelle qui les met en dialogue et montre l'éventail des intérêts que l'artiste a poursuivis dans sa pratique polyvalente, tels que ses variations sur le motif des « femmes qui lisent », l'utopie féministe médiévale de Christine de Pizan, l'intérieur d'un bar queer berlinois, et les coquilles d'oeuf.
Accompagnées d'un essai de Rahel Schrohe et d'un poème de l'artiste, les pages de Cento abordent les thèmes de Cosima zu Knyphausen, tout en constituant le livre lui-même en tant que contexte de l'oeuvre : une mosaïque, un vêtement en patchwork, un oeuf.
À travers l'exposition Partitura (Partition) au Centro Botín, Silvia Bächli a conçu une partition en huit mouvements qui s'inscrit dans l'espace du musée : une séquence de groupes rythmiques de dessins ou « ensembles » accrochés à différentes hauteurs et à différents intervalles, qui, de salle en salle, apportent un sens à leur succession continue. Chaque dessin et chaque ensemble incarnent un acte précieux de soin et d'attention, d'observation et de réflexion profondes, dans lequel les espaces blancs des feuilles et des murs sont aussi importants que les formes de couleurs.
Bächli travaille constamment à partir de moyens simples et restreints : du papier blanc de différentes tailles, qualités et tonalités, sur lequel elle applique de l'encre de Chine, du fusain, de la gouache ou du pastel. Son processus est séquentiel : l'artiste dessine sur des feuilles disposées en pile, successivement, et dispose des constellations d'oeuvres sur le mur de son atelier, qui sont ensuite interprétées, réarrangées et repoussées, jusqu'à ce qu'elle découvre quelque chose qui lui semble opportun et étonnant.
Partitura met en lumière à la fois la continuité et les changements progressifs dans son oeuvre : depuis ses fragments de corps nerveux en noir et blanc et ses figures féminines introverties, jusqu'à ses interprétations orange cramoisi de la structure réticulaire ou ses dernières grandes étendues en couleur. L'exposition inclut das, l'installation de Bächli au Pavillon suisse de la 53e Biennale de Venise en 2009, ainsi qu'une installation murale réalisée en collaboration avec Eric Hattan.
Cette publication, signée Manuel Raeder (Bom Dia Books), reflète dans ses pages l'agencement rythmique de l'exposition, respectant chaque composition de dessins présentée sur chaque mur, reproduisant les changements d'échelle, les silences entre les formes et les accumulations de textures, et devenant ainsi une archive expérientielle de l'exposition. Elle rassemble des textes écrits pour l'occasion par le poète et critique Quinn Latimer et l'écrivain Chris Fite-Wassilak, ainsi qu'un entretien entre Silvia Bächli et Bárbara Rodríguez Muñoz, commissaire de l'exposition.
« Le coeur battant de mon travail, c'est l'espace, pour ainsi dire. Je conçois une exposition comme une composition pour voix qui traverse plusieurs salles. J'écris une partition, comme s'il s'agissait d'une musique, avec des passages denses, des moments isolés, des répétitions, des échos, des rythmes, des enchaînements et des pauses. Ils forment tous ensemble l'espace sonore. »
Silvia Bächli
Publié à l'occasion de l'exposition éponyme au Centro Botín, Santander, Espagne, en 2024.
Le processus à l'origine de ce livre a commencé par une étude sur la façon dont la grille - en tant que système, structure ou espace vide - fonctionne en tant que phénomène, et dont elle est utilisée dans les domaines de l'artisanat, de l'art, de l'architecture et du design. Initiée en 2016, la publication s'est transformée en un voyage autoréflexif et rigoureux sur le fonctionnement interne d'une graphiste. Au cours de ses recherches, Anni's a visité diverses bibliothèques spécialisées en Europe, ainsi que les étagères de livres et les archives de ses amis. Chaque page est reproduite à l'échelle 1:1 et alignée en coin en bas à droite, tout en conservant la pagination d'origine.
Les oeuvres textiles d'Olaf Holzapfel réalisées à partir de fibre de cactus en collaboration avec une famille de tisserands traditionnels argentins.
Depuis plus de dix ans, les matériaux végétaux sont au coeur de la pratique artistique d'Olaf Holzapfel. Depuis 2009, Holzapfel développe un ensemble d'oeuvres en collaboration avec les tisserands d'une famille Wichí du Gran Chaco, en Argentine. Ces pièces mettent en lumière le lien entre les hommes et le paysage qui les entoure et soulignent la relation entre le centre et la périphérie, l'urbain et le rural. Les oeuvres et installations textiles réalisées à partir de la fibre de cactus Chaguar et présentées dans cet ouvrage en sont un exemple. Ces oeuvres textiles ont été réalisées dans le cadre d'un processus de collaboration entre l'artiste et les tisseuses wichíes Teresa, Mirta, Dionisia, Noelia et Luisa Gutiérez. Dans leur beauté, les oeuvres combinent l'esthétique contemporaine avec les connaissances des tisserands sur les couleurs et les propriétés de la forêt.
La publication rassemble des documents sur le travail de Holtzapfel, des textes d'Olaf Holzapfel, d'Andreas Elías et d'Inka Gressel, ainsi qu'un entretien avec les tisserands wichis.
Catalogue monographique documentant une série de sculptures faisant appel à l'histoire de l'architecture, du design et de l'art du XXe siècle, et plus particulièrement à l'héritage du Black Mountain College et du modernisme.
Publié suite à l'exposition éponyme à la Kunsthalle, Bâle, du 22 septembre au 17 novembre 2013.
La démarche de Leonor Antunes (née en 1972 à Lisbonne, vit et travaille à Berlin) s'élabore dans la radicalité de références au minimalisme et au modernisme, dans la recherche d'un équilibre fragile entre oeuvres, objets d'art, mobilier et espaces.
De nombreuses expositions personnelles lui ont été récemment consacrées à travers le monde, au Kunstverein Dusseldorf, au Museo Experimental El Eco de Mexico, au Museu de Serralves, Porto, au Museo Nacional Reina Sofia de Madrid, au Credac d'Ivry-sur-Seine... Elle a également participé à de nombreuses expositions collectives (Chicago Museum of Contemporary Art, Chicago, Singapore Art Museum, Kunstverein München...). Ses oeuvres ont été acquises par de prestigieuses collections : Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, Daimler Chrysler, Berlin, Caixa Geral de Depósitos et Fundação Calouste Gulbenkian, Lisbonne, Museo Nacional Reina Sofia à Madrid, etc.
