Je suis devenu 'tétraplégique incomplet' suite à un plongeon trop à pic dans une piscine pas assez remplie. (...) Je sors tout juste de l'hôpital où j'étais en réanimation ces dernières semaines. On me conduit aujourd'hui dans un grand centre de rééducation qui regroupe toute la crème du handicap bien lourd : paraplégiques, tétraplégiques, traumatisés crâniens, amputés, grands brûlés... Bref, je sens qu'on va bien s'amuser. Dans son livre, où il se fait pour la première fois auteur d'un récit en prose, l'auteur raconte, avec humour, dérision et beaucoup d'émotion, les douze mois passés en centre de rééducation et relate les aventures tragiques mais aussi cocasses vécues par lui et ses colocataires d'infortune.

«Ma mythologie personnelle, c'est le Japon. Mes premiers souvenirs sont japonais.

Je me suis très longtemps crue japonaise, c'était une conviction profonde. J'y croyais d'autant plus que je vivais au coeur du plus beau Japon, celui du Kansai, du Sud, tout près de Kyoto et Nara, qui sont les plus belles villes du monde. J'évoluais dans un univers d'estampes, dans un jardin japonais, dans la montagne, un Japon comme on l'imagine en Occident quand on le fantasme.(...) Suivez-moi sur la voie des kamis dans le shintoïsme, la voie du bouddhisme et du zen, la voie des samouraïs et la voie de l'élégance. Pour mieux cheminer ensemble sous les fleurs du monde flottant, comme l'exprime le poète japonais Matsuo Bashô, ce monde de beauté éphémère dans lequel nous vivons.» Amélie Nothomb

Amélie Nothomb nous emmène à la rencontre du Japon, de ses mythes, de ses rites et ses arts traditionnels : une merveilleuse découverte du pays dans les pas de l'une de ses plus grandes ambassadrices.

Un document adapté du podcast éponyme à succès réalisé avec Laureline Amanieux, enrichi de textes et de citations et largement illustré (paysages, oeuvres, etc.). Lire la suite Fermer

« L'artiste doit voir toutes choses comme s'il les voyait pour la première fois. Toute sa vie il doit voir comme il l'a fait quand il était enfant. » Durant sa carrière de peintre, qui a duré près de soixante ans, Henri Matisse (1869-1954) est resté fidèle à ce principe : conserver la fraîcheur du regard, observer chaque chose comme une découverte, laissant ainsi toute sa place à l'émotion. Toutefois, ajoutait l'artiste, « regarder quelque chose comme si nous ne l'avions jamais vu auparavant demande beaucoup de courage » : car si l'instinct lui paraît indispensable, il ne peut s'exprimer qu'à travers un travail permanent, une réflexion constante. C'est donc en conjuguant spontanéité et méthode que Matisse a conduit toute sa création, autour de ce qui a été sa préoccupation essentielle : la couleur. Destinée à bouleverser le regard moderne, son oeuvre s'est exprimée au travers d'une variété de techniques qu'il a toujours cherché à approfondir, à renouveler : peinture, dessin, sculpture, livres illustrés, et jusqu'à cette invention singulière, les gouaches découpées réalisées à la fin de sa vie.
Ce livre rend compte de cette incroyable invention plastique, à travers une cinquantaine d'oeuvres emblématiques, et retrace ainsi dans leur chronologie les incessantes recherches du peintre en ce domaine, depuis la fameuse période « fauve », magnifique explosion de couleurs pures entamée à Collioure, en passant par les somptueuses toiles réalisées sous le soleil du Midi, jusqu'aux ultimes « papiers découpés » qui ont permis au vieil homme de dessiner directement au ciseau dans la couleur. Si certaines influences ont été déterminantes, celle de Cézanne pour commencer, mais aussi plus tard celles de l'Orient, dont il a sublimé les arabesques chatoyantes dans ses Odalisques, ce sont ces nombreux voyages qui ont au fil du temps tissé un véritable métissage de sources d'inspiration. « Vous allez simplifier la peinture », lui avait prédit son maître Gustave Moreau : l'oeuvre de Matisse montre à l'évidence comment son génie s'est exprimé avec une immense liberté, échappant à tout carcan pour exprimer une profonde joie de vivre.

La collection L'ART+GRAND, présentée dans une reliure luxueuse, propose, à travers un texte didactique, de découvrir les plus grands artistes de l'histoire de l'art. Outre une soixantaine de toiles parmi les plus célèbres, l'ouvrage reproduit six tableaux exceptionnels sous forme de DÉPLIANTS grand format qui permettent d'observer ces chefs-d'oeuvre dans les moindres détails. L'ART+GRAND offre ainsi une immersion inédite dans la matière et la touche picturale. Lire la suite Fermer

La collection « Un seul art », créée par Charles Dantzig, est publiée en coédition avec le Centre Pompidou. Durant les cinq ans de fermeture du Centre pour travaux, dix oeuvres appartenant aux collections du musée continueront à vivre autrement, sous la plume d'un écrivain. Chacun s'en voit confier une pour en tirer, en écho, en miroir, en communion, une oeuvre littéraire. Il n'existe pas de différence fondamentale entre les arts. Tous ne sont que des manières diverses d'abord au sensible et au caché.
Dans ce roman dessiné, Dany Laferrière mêle faits authentiques et fiction. Parmi les montagnes d'immondices d'un bidonville de Port-au-Prince, le rouge est devenu une obsession. Pour Izo, authentique chef de gang, qui sème la terreur tout en se prenant pour un artiste (il sort des disques de rap), c'est le rouge du sang. Pour Nix, jeune peintre discret, c'est le tableau de Matisse, Grand intérieur rouge. Fou de rage d'apprendre qu'il a un rival en esthétique, Ozzo tue Nix. Nix devient une star et Izo reste un assassin. Tout ce monde se retrouve à l'intérieur du tableau.
« J'ai vu le Grand intérieur rouge pour la première fois à l'époque où, jeune ouvrier, je tentais d'écrire un roman, mon premier. J'en ai même fait la couverture de la première édition de Comment faire l'amour avec un nègre sans se fatiguer. Quarante ans plus tard, la revoici. J'entre sur la pointe des pieds dans ce petit salon surchargé. » D.L. Lire la suite Fermer

« Il est en vous, ce flocon de neige qui descend vers la mer. »Tout au long de sa vie, Khalil Gibran (1883-1931) ne cessa de rêver, écrire et reprendre le discours du mystérieux maître spirituel qu'il s'était créé à l'adolescence et qui donna lieu à son texte le plus fameux, Le Prophète. Le Jardin du Prophète, paru à titre posthume en 1933, en constitue la suite : après l'exil, voilà le temps des retrouvailles.Almustafa, l'élu et le bien-aimé, quitte son exil et retrouve son île natale. Il livre à ses disciples une parole intime et douloureuse... avant de repartir d'où il était venu. Traduction de l'anglais par Thierry Gillyboeuf.Postface de Jérôme Vérain.

Catalogue officiel de l'exposition organisée par le musée d'Orsay du 25 mars - 27 juillet 2025, grâce au partenariat exceptionnel du Nasjonalmuseet, Oslo.
Après Edvard Munch. Un poème de vie, d'amour (2022) et Harriet Backer. La musique des couleurs (2024), le musée d'Orsay clôt une trilogie consacrée à l'art norvégien du tournant du XXe siècle avec l'exposition Christian Krohg. Le Peuple du Nord, présentée au printemps 2025. Il s'agit de la toute première rétrospective de l'artiste en dehors de la Scandinavie, qui fait suite à plusieurs expositions à Oslo et Lillehammer en 2012, puis à Copenhague en 2014. En mettant en lumière les oeuvres naturalistes et engagées de Krohg, très éloignées de celles, plus introspectives, d'Edvard Munch, le musée offre ainsi une nouvelle perspective sur l'art norvégien de la fin du XIXe et du début du XXe siècle. À travers un panorama approfondi du parcours artistique de Krohg, l'exposition et le catalogue qui l'accompagne mettent en valeur sa modernité picturale et son engagement humaniste. Bohème et fervent défenseur des causes politiques et sociales de son époque, Krohg, également écrivain et journaliste, dépeint avec une profonde empathie la condition du peuple scandinave, les dangers du travail, la misère, ainsi que les injustices subies par les femmes. Munch, qui fut son élève, dira de lui qu'il était « le seul peintre capable de descendre de son trône et d'éprouver de la compassion sincère pour ses modèles ».
Organisé en quatre temps, cet ouvrage met en valeur les liens avec les artistes français que Krohg découvre lors de ses séjours parisiens - notamment Gustave Courbet, Édouard Manet et les impressionnistes. Dans sa série des marins, Krohg cherche à donner à ses oeuvres un sentiment d'immédiateté en utilisant des compositions déséquilibrées, des cadrages audacieux et des postures dynamiques. Son credo, « tout est une question de cadrage », est le fondement d'une recherche artistique d'une grande modernité. Membre de la société provocatrice de Christiania - ancien nom d'Oslo -, Krohg fait polémique et scandale auprès de la bourgeoisie et des élites artistiques, à travers ses portraits de ce milieu bohème et libre, de ces jeunes artistes, écrivains et intellectuels qui se réunissent dans les cafés de la capitale et commencent à contester la structure sociale dominante.
Un Zola norvégien ? En 1886, Krohg publie son roman Albertine, histoire d'une ouvrière violée devenue prostituée, roman que la police saisit rapidement au motif qu'il porte atteinte aux bonnes moeurs. Malgré les controverses, Krohg défend sa liberté d'expression contre la censure. Il réalise alors son tableau le plus important, la grande toile Albertine tirée de son roman, poussant la provocation jusqu'à engager des prostituées comme modèles. Peu d'oeuvres d'art norvégiennes ont suscité un débat aussi intense, par la mise en lumière d'une facette particulièrement sombre de la société norvégienne. D'autres grands tableaux naturalistes et engagés, tels La Lutte pour la survie, témoignent de l'attention que porte l'artiste aux membres les plus vulnérables de la société. Dans cette perspective, l'exposition et son catalogue explorent les scènes de famille, à travers des toiles qui révèlent l'intimité de l'artiste et témoignent de son humanité. L'empathie, comme l'a dit Munch, est au coeur de son travail. Par elle, il cherche à capter l'attention du spectateur et à « oeuvrer au progrès humain ». Lire la suite Fermer

Le Carnet Hazan Pleine toile Matisse La Desserte, harmonie rouge est un luxueux carnet dont le motif de la couverture en toile se prolonge dans un jaspage harmonieux. Il offre 128 pages non lignées pour coucher sur le papier toutes vos inspirations.

Le Carnet Hazan Pleine toile Matisse La Perruche et la Sirène est un luxueux carnet dont le motif de la couverture en toile se prolonge dans un jaspage harmonieux. Il offre 128 pages non lignées pour coucher sur le papier toutes vos inspirations.

EMBARQUEMENT IMMÉDIAT

Avec ce voyage visuel à travers chaque continent, explorez les lieux les plus insolites et éblouissants de la planète. Vivez des expériences inoubliables à travers plus de deux cents destinations incroyables et vous n'aurez plus qu'une envie: aller les voir de vos propres yeux.

Inspiré de l'univers cinématographique de Wes Anderson, ce recueil de photographies stupéfiantes, de personnages singuliers et de récits surprenants vous emmène à l'aventure.

Bouclez votre ceinture, c'est parti !

Par les auteurs d'Accidentally Wes Anderson, classé parmi les meilleures ventes du New York Times.

Voici le récit complet du film Totoro, montage en BD des images du film éponyme à la manière du roman-photo. On y retrouve la famille Kusakabe, arrivant à la campagne et s'installant dans une maison bucolique près de laquelle s'élève un arbre immense. Mais dans ce dernier, réside Totoro, esprit de la nature bienveillant et protecteur qui va prendre les deux petites filles de la famille sous son aile.
Emblème à plus d'un titre des studios Ghibli, Totoro est l'oeuvre tutélaire, maîtresse, de la pensée de Miyazaki. S'y incarnent son rapport au monde et à la nature, son sens inné de l'enfance, cet esprit quasi animiste qui traduit la vie en toute chose et qui a porté l'artiste à créer cette ode au retour à la terre.
Avec Totoro, nous débutons la collection Ghibli, où vous pourrez découvrir les plus grandes oeuvres du studio initié par Miyazaki, via de splendides art books, des anime comics et également des pictures books disponibles dans la collection Glénat jeunesse. Lire la suite Fermer

10 ans après son pamphlet best-seller L'architecture est un sport de combat, Rudy Ricciotti remonte sur le ring pour montrer que le combat est loin d'être terminé : au contraire, il s'agit aujourd'hui de survie. Sans langue de bois et rendant coup pour coup, il monte au front pour défendre la créativité, la territorialité, le bon sens, la transmission des savoir-faire ou encore les circuits courts. Il fustige ce mal français ou européen incarné par la bureaucratie, la multiplication des normes et des corpus règlementaires, la vision courtermiste, l'anti-béton borné, le jacobinisme, l'uniformisation et le diktat du minimalisme...
Une seule réponse : l'insoumission !
Le combat de l'un des plus grands architectes français pour une architecture incarnée et de bon sens.

Entièrement conçu par Matisse à la demande de l'éditeur Tériade qui souhaitait publier un « manuscrit à peinture moderne », le livre Jazz est le fruit d'une période de grande introspection et de renouveau. Alors en convalescence, Matisse développe une technique unique de gouaches découpées, transformant ses limitations physiques en une nouvelle forme d'expression artistique. Chaque image de Jazz est une explosion de couleurs vives et de formes audacieuses. De cette grande pureté plastique émerge une monumentalité inédite : « Découper à vif dans la couleur me rappelle la taille directe des sculpteurs. Ce livre a été conçu dans cet esprit. »
Jazz est composé de 20 planches de papiers découpés, accompagnées de textes poétiques écrits par Matisse lui-même. Le thème du jazz est particulièrement accordé au caractère vif et syncopé des découpages. Les planches suivent un fil thématique que l'artiste décrit comme « les cristallisations de souvenirs de cirque, de contes populaires ou de voyages » et s'accordent grâce à une grande cohérence esthétique.
Matisse décide de rédiger lui-même le texte qu'il recopie au pinceau et à l'encre de Chine. « J'ai rempli, dit-il, les pages séparant mes planches de couleurs par des choses sans importance - qu'on lira ou qu'on ne lira pas - mais qu'on verra et c'est tout ce que je désire. ». Loin d'être sans importance, ces notes de travail offrent un aperçu exceptionnel de l'écriture, de l'esprit et des émotions de Matisse dans son art. En cherchant une harmonie visuelle globale, il trouve avec l'écriture manuscrite et les papiers découpés un accord dans la simplicité, l'arabesque et le caractère manuel.
Avec Jazz, Matisse réinvente la manière dont les images et les mots peuvent interagir, créant une expérience visuelle et littéraire immersive et un chef d'oeuvre du livre d'artiste et de l'art moderne. Le livre devint ainsi une oeuvre d'art en soi, capable de capturer l'essence de la créativité et de l'innovation de l'un des plus grands artistes du XXe siècle.

Extrait du texte
Il ne me reste donc qu'à rapporter des remarques, des notes prises au cours de mon existence de peintre. Je demande pour elles, à ceux qui auront la patience de les lire, l'indulgence que l'on accorde en général aux écrits des peintres.
Le caractère d'un visage dessiné ne dépend pas de ses diverses proportions mais d'une lumière spirituelle qu'il reflète. Si bien que deux dessins du même visage peuvent représenter le même caractère bien que les proportions des visages de ces deux dessins soient différentes. Dans un figuier aucune feuille n'est pareille à une autre ; elles sont toutes différentes de formes ; cependant chacune crie : figuier.
Si j'ai confiance en ma main qui dessine, c'est que pendant que je l'habituais à me servir, je me suis efforcé à ne jamais lui laisser prendre le pas sur mon sentiment. Je sens très bien, lorsqu'elle paraphrase, s'il y a désaccord entre nous deux : entre elle et le je ne sais quoi en moi qui paraît lui être soumis. La main n'est que le prolongement de la sensibilité et de l'intelligence ; Plus elle est souple, plus elle est obéissante. Il ne faut pas que la servante devienne maîtresse. Lire la suite Fermer

Le thé, introduit au Japon au viiie siècle par des moines bouddhistes revenus de Chine, est aujourd'hui indissociable de son identité culturelle, où sa consommation est tout autant un art qu'une philosophie. D'abord réservé aux moines bouddhistes à des fins médicinales, le thé va devenir au fil des siècles une boisson délicate prisée de tous les Japonais, dégustée selon un véritable rituel qui convoque tous les arts: ceux de la composition florale, de la céramique et de la calligraphie, ainsi que l'architecture et l'art textile. Autant de raffinements que décline à merveille cette centaine d'estampes des grands maîtres japonais, qui nous invitent à découvrir l'univers fascinant du thé, depuis les secrets de la récolte du fameux thé matcha jusqu'aux traditionnelles maisons de thé et leurs célèbres courtisanes, sans oublier une invitation au chanoyu, véritable immersion au coeur de la cérémonie du thé, source d'harmonie et de sérénité.
Caroline Larroche est historienne de l'art et éditrice. Elle a dirigé de nombreuses publications sur l'art, dont Bestiaire japonais (À Propos, 2021), et est l'auteure de plusieurs livres sur les estampes japonaises, dont Ukiyo-e, images du monde flottant (Courtes et Longues, 2007) et Hokusai, la beauté de la nature (Géo Art, 2024). Lire la suite Fermer

La musique est le dernier phénomène qui nous rassemble, elle ravive le sentiment d'appartenance à un tout, organise le chaos et rend le monde plus harmonieux. Elle exerce son pouvoir partout où elle résonne.

À travers 42 chroniques, André Manoukian nous invite à ses côtés à explorer le monde du son, ses effets sur l'homme évidemment, mais aussi sur la nature.
L'homme a-t-il chanté avant de parler ? Pourquoi la voix du colosse Néandertal était-elle fluette comparée à celle de Sapiens ? Pourquoi, selon Darwin, le langage humain peut-il être comparé au chant des oiseaux ? Comment l'imitation du cri d'une proie pour la traquer est-elle devenue musique ? Saviez-vous que chaque langue émet dans sa fréquence propre ? Connaissez-vous le pouvoir curateur du chant des baleines ? Comment le son affecte-t-il chaque organe de notre corps ?

Autant de phénomènes surprenants qui nous permettent de mieux comprendre notre rapport au son et à ses vibrations, qu'André Manoukian analyse avec autant de science que de jubilation.
Un livre savoureux qui nous révèle toute la puissance salvatrice de la musique. Lire la suite Fermer

Aya Nakamura transcende les générations, les cultures, les milieux sociaux, les genres musicaux, et fédère des millions de personnes de tous horizons. Raconter Aya, c'est raconter sa musique et la France d'aujourd'hui.
Dans ce dictionnaire, Ismaël Mereghetti retrace cette histoire de succès, décrypte des facettes méconnues de la chanteuse et donne des clés de compréhension de son univers artistique, devenu majeur dans la culture française.
Saisir l'inventivité d'Aya Nakamura et ce qu'elle représente, c'est ouvrir une fenêtre sur notre monde.

La collection « Un seul art », créée par Charles Dantzig, est publiée en coédition avec le Centre Pompidou. Durant les cinq ans de fermeture du Centre pour travaux, dix oeuvres appartenant aux collections du musée continueront à vivre autrement, sous la plume d'un écrivain. Chacun s'en voit confier une pour en tirer, en écho, en miroir, en communion, une oeuvre littéraire. Il n'existe pas de différence fondamentale entre les arts. Tous ne sont que des manières diverses d'abord au sensible et au caché.
Cet essai a pour point de départ une oeuvre de 1981 réalisée par le célèbre photographe américain Robert Mapplethorpe. On y voit Jimmy Freeman, nu, le sexe en évidence, prostré dans un geste de soumission ou de dévotion. Son visage n'apparaît pas, il est transformé un objet esthétique, sinon sexuel.
Jimmy Freeman fait partie des hommes noirs, beaux et musclés que Robert Mapplethorpe met en scène dans des compositions d'une perfection formelle saisissante, empruntant aux canons de l'art classique. Avec cette photographie, il n'en est pas à sa première provocation : il avait déjà secoué le milieu de l'art new-yorkais avec ses représentations de pratiques sadomasochistes homosexuelles.
S'appuyant sur l'oeuvre subversive de l'artiste américain, Joy Majdalani examine son propre rapport à la transgression, comme elle l'avait déjà abordé dans son roman Le Goût des garçons : est-ce son éducation religieuse et conservatrice qui la pousse à écrire des textes crus ? Est-il transgressif de soumettre le corps masculin au regard d'un sujet désirant ?
L'essai intime d'une jeune autrice qui se confronte aux limites de la littérature dans le monde contemporain : que peut-on risquer au nom de l'art ? Le bien et le mal y ont-il une place ? Le beau offre-t-il encore la possibilité d'une rédemption ? Lire la suite Fermer

Ce carnet s'inspire au plus près de la forme traditionnelle des carnets d'estampes originaux que publiaient les grands maîtres de l'estampe japonaise comme Hokusai ou Hiroshige. Grâce à ce système de feuilles doublées et cousues, le confort d'écriture est inégalé.

Apparus à une époque où seule la faible lueur des lanternes éclairait les rues la nuit, les monstres yokai japonais sont aussi variés et fantasques que l'imagination humaine : crapauds, chauve-souris et singes géants qui surgissent des profondeurs de la Terre, objets centenaires qui prennent vie, chats à neuf queues aux pouvoirs magiques, renardes et blaireaux envoûtant les humains, kappa, tengu et autres êtres hybrides et facétieux toujours prêts à jouer des tours.... Ils sont partout où la peur nous saisit - forêt, puits, pièce sombre d'une maison, remise d'un temple, cimetière, tanière - et à chacune de ces créatures est lié un conte ou un mythe. C'est grâce à la large diffusion des estampes que la représentation des yokai s'est fixée et a été diffusée au xixe siècle et qu'ils sont devenus si importants dans la culture japonaise, au Japon et à l'étranger. Les monstres yokai, effrayants et fascinants, sont en effet bien connus des amateurs de mangas et de films d'horreur. Philippe Charlier, médecin légiste, archéologue et anthropologue, en présente ici une sélection parmi les plus impressionnants. Il les observe avec un regard de spécialiste de l'anthropologie funéraire, des fantômes, des zombis et des vampires, se faisant conteur pour partager leurs histoires. On découvre les oeuvres des maîtres de l'estampe horrifique, notamment Yoshitoshi, Kuniyoshi, Kunisada et Sekien, le magnifique rouleau peint bakemono no e (inventaire de créatures surnaturelles) et les célèbres processions nocturnes de yokai, dans un beau-livre relié à la japonaise, sous une couverture en soie, dont la forme met en valeur l'atmosphère sombre et fantastique des images. Lire la suite Fermer

Le musée Marmottan Monet présentera du 9 avril au 31 août 2025 une exposition en l'honneur d'Eugène Boudin (1824-1898), « Eugène Boudin, le père de l'impressionnisme : une collection particulière», rendue possible par des prêts exceptionnels venant de la remarquable collection de Yann Guyonvarc'h. La collection d'oeuvres du peintre Eugène Boudin (1824 - 1898) réunie par le mathématicien Yann Guyonvarc'h est exceptionnelle, à la fois par le nombre et par la cohérence. Des débuts jusqu'aux oeuvres ultimes, toutes les facettes de la production de l'artiste sont représentées : marines, scènes de plages ou de la vie quotidienne, exécutées de la Normandie à Venise, en passant par Bordeaux, la Bretagne, les Pays-Bas ou le Midi, qu'il s'agisse d'esquisses rapides, d'oeuvres ambitieuses destinées au Salon ou de tableaux « finis » pour collectionneurs. Au nombre de ces collectionneurs, le pianiste Charles de Bériot (1833 - 1914, auquel Ravel dédiera la « Rhapsodie espagnole »), le vaudevilliste Georges Feydeau (1862 - 1921), l'acteur Coquelin aîné (1841 - 1909, créateur, notamment, du « Cyrano de Bergerac » de Rostand) ou encore Ernest Hoschedé (1837 - 1891, l'acquéreur d'« Impression, soleil levant »).
Les peintures, aquarelles, pastels et dessins présentés ne l'ont été que très exceptionnellement, voire jamais.
La formule énoncée par Boudin, « trois coups de pinceaux d'après nature valent mieux que deux jours de travail au chevalet », est restée justement fameuse. L'artiste n'en a pas moins toujours énormément dessiné. Ces dessins étaient classés et consultés comme aide-mémoires lorsque, dans son atelier parisien, Boudin finissait les peintures ébauchées sur le motif. L'artiste lui-même a mentionné cette méthode de travail, qu'aucune exposition n'a, jusqu'à présent, mise en lumière de manière systématique.
A la fin de sa vie, Claude Monet déclarera, « je l'ai dit et je le répète : je dois tout à Boudin ». Le musée Marmottan-Monet est le lieu privilégié pour évoquer, grâce à des oeuvres provenant du legs Monet, les relations entre les deux artistes. Lire la suite Fermer

Un livre de photos inédites, celui d'une fille pour son père.

Alors que Florent Pagny entame, en 2021, la « tournée des 60 », il confie à sa fille, Ael, talentueuse photographe indépendante de 22 ans à l'époque, le soin de le suivre sur cet événement. Mais sa tournée est stoppée net début 2022 : Florent annonce sur ses réseaux être atteint d'un cancer ; il doit avant tout se battre pour sa santé et rester auprès des siens. Animé par sa rage de vivre et par sa passion pour la musique, le « boss » décide d'enregistrer un album de duos avec de nombreux artistes dont il se sent proche et remonte sur scène dès l'été 2023 au cours de nombreux festivals.

Durant toute cette période, sa fille est à ses côtés pour immortaliser des moments aussi rares que précieux. Pudique, Ael trouve le moyen, grâce à ses photos, de rester auprès de son père à chaque instant et de lui dire tout son amour.

Ce beau livre, totalement inédit et préfacé par le chanteur, est le résultat de ces trois années de travail. Trois années si particulières pour Ael, pour Florent et pour toute la famille, toujours soudée pour le meilleur comme pour le pire. Au fil des photos, légendées par Florent Pagny et sa fille, une histoire se raconte... Lire la suite Fermer

Le destin de 25 chefs-d'oeuvre de la peinture révélé par l'imagerie scientifique
Repentirs, repeints, réemplois : sous la peinture se cachent des esquisses, des tracés, des personnages, des morceaux de paysages, et parfois des compositions entières. À l'oeil nu, à la lumière des infrarouges, des ultraviolets, des rayons X... les intentions, les gestes de l'artiste peuvent refaire surface, ainsi que les interventions d'un restaurateur. Un homme dissimulé sous L'Odalisque de Boucher, un changement de format chez Rembrandt, une bretelle baissée puis remonté chez Sargent, un angelot coquin effacé chez Watteau, un cupidon recouvert dans un Vermeer. Pourquoi ces changements ? La journaliste Sarah Belmont a mené l'enquête, assistée d'experts, et nous explique le processus créatif des peintres de manière ludique et accessible. Car derrière la grande Histoire se cachent de petites histoires de sentiments, d'argent, de style. Lire la suite Fermer

Et si les plus belles peintures et sculptures italiennes ne se trouvaient pas dans les musées, les palais ou les églises systématiquement visités, mais hors des sentiers battus, dispersées dans des villages reculés, reléguées dans des lieux peu fréquentés ou inconnus ? La chasse au trésor commence ici par le sud de l'Italie et remonte vers le nord, pour découvrir dans les pas de Dominique Fernandez des oeuvres isolées qui ne font pas partie d'un ensemble répertorié, mais qui constituent un but de pèlerinage particulier. Ces chefs-d'oeuvre dont nul ne soupçonne l'existence se cachent aussi bien dans un hameau perdu que dans tel lieu insolite - une banque, une chambre privée, un cloître difficile d'accès, une sacristie - de grandes villes comme Naples, Rome, Florence, Bologne ou Venise. Bienvenue dans cette Italie buissonnière où l'art sert de défouloir aux pulsions réprimées par les convenances ou la censure.
Une exceptionnelle chasse aux trésors. Jacques Franck, Arts Libre (Belgique). Lire la suite Fermer

Figure majeure de l'Art nouveau et créateur du mouvement de la Sécession viennoise, Gustav Klimt (1862-1918) est aujourd'hui mondialement célèbre pour son tableau Le Baiser. Cette étreinte éternelle, emblématique de son cycle d'or, symbolise une oeuvre puissamment décorative et novatrice.
Au coeur de la Vienne fin de siècle, capitale d'un empire en déclin, Klimt participe du bouillonnement intellectuel, scientifique et culturel de l'époque, porté par une bourgeoisie qui soutient la création picturale et offre un cadre propice à de nouvelles formes d'expression artistique.
Au travers de ses grandes fresques monumentales, telles que les frises Beethoven et Stoclet, ses portraits féminins sensuels et énigmatiques, marqués par les noms d'Emilie Floge et d'Adèle Bloch Bauer, ou encore ses envoûtantes allégories mythologiques, ses jardins luxuriants et ses paysages oniriques, Klimt ambitionne de réaliser une oeuvre d'art total, unissant peinture, architecture et musique. Il opère alors une véritable révolution stylistique autour de ses thèmes de prédilection que sont la beauté féminine, l'érotisme, la vie et la mort, dans un foisonnement de motifs végétaux et animaliers, de spirales et d'arabesques, de textures précieuses souvent rehaussés à la feuille d'or, dans un entrelacs de lignes courbes et ondoyantes.
Dans sa volonté de briser les conventions artistiques de son temps, Klimt, artiste engagé, a ouvert la voie à de nouvelles formes d'expression artistique, et a su défendre sa conception de l'art moderne qui seul peut sauver l'humanité et la conduire à la connaissance du bonheur.

La collection L'Art plus grand
Cette collection propose une découverte des plus grands artistes de l'histoire de l'art, présentée dans une reliure luxueuse et inédite : composée d'une couverture en vraie toile imprimée dont le motif se prolonge en un jaspage harmonieux, elle crée ainsi une illusion visuelle enveloppante qui donne au livre son caractère précieux et unique. En plus d'une soixantaine d'oeuvres majeures d'un peintre, l'ouvrage reproduit six de ses chefs-d'oeuvre incontournables sous forme de dépliants, qui se déploient en largeur ou en hauteur. Accompagnés d'une notice détaillée, ils permettent de voir l'oeuvre en grand, d'en observer les moindres détails, de s'immerger dans la texture de la matière et dans la touche picturale.

Cet ouvrage consacré à Klimt propose les six dépliants suivants :
La frise Beethoven
Adèle Bloch Bauer
Serpent d'eau (I et II)
Le Baiser
Vierges
La frise Stoclet Lire la suite Fermer

TÔT OU TARD, LA VIE S'EN VA. À PEINE A-T-ON LE DOS TOURNÉ QU'ELLE S'EN EST DÉJÀ PEUT-ÊTRE ALLÉE. IL NOUS FAUT DONC VEILLER SUR LES MORTS, ENTRETENIR LA FLAMME, FAIRE EN SORTE QU'ILS NE SOIENT JAMAIS OUBLIÉS. »
 
Aux Cahiers du cinéma pendant plus de vingt ans, puis directeur de la Cinémathèque française, Serge Toubiana est un témoin privilégié de l'histoire du cinéma français. Dans On ne connaît du film que la scène des adieux, il revient sur les éloges qu'il a écrits pour ses chers disparus, au fil du temps. Des antidotes à l'oubli dans lesquels on lit toute l'admiration et tout l'amour qu'il a pour ces cinéastes, acteurs et actrices, hommes et femmes de cinéma qu'il a connus pour la plupart personnellement.
 
Suivant un ordre chronologique dicté par le hasard de la mort, depuis celle déterminante de François Truffaut en 1984, jusqu'à celle de David Lynch, en passant entre autres par Maurice Pialat, Simone Signoret, Orson Welles, Jacques Demy, Michel Piccoli, Claude Chabrol, Jean-Pierre Bacri, Marguerite Duras, Gaspard Ulliel et Tonie Marshall, Serge Toubiana nous offre des textes ciselés et émouvants en hommage aux hommes et femmes qui ont marqué le cinéma et la culture des quarante dernières années. Lire la suite Fermer